Architektur und Film

Architektur und Design spielen eine fundamentale Rolle beim Film, nicht nur anhand sorgfältig entworfener realistischer oder fiktionaler Szenografien, sondern auch als metaphorische Elemente, die es dem Zuschauer ermöglichen, in die Psyche der Protagonisten einzutauchen. Eine kleine Auswahl an Filmen, in denen der Raum, die Beleuchtung und die Bildgestaltung Atmosphären, Empfindungen und Erfahrungen erzeugen, möchten wir hier vorstellen.

Metropolis, 1927 unter Regie von Fritz Lang entstanden, ist ohne Zweifel eines der Pionierwerke dieser engen Beziehung zwischen der Architektur und der siebten Kunst mit einer durchdachten Beleuchtung, die mit dem Raum, Volumen und dem Helldunkel spielt.

Der Film stellt eine Utopie der urbanen Realität einer Zukunft dar, die bereits zur Gegenwart geworden ist und die Stadt des Jahres 2026 porträtiert: Eine gestaffelte Stadt, in der jede architektonische Typologie einer anderen sozialen Schicht entspricht, in der die Intellektuellen eine Stadt aus Wolkenkratzern und hohen Gebäuden bewohnen, während die Arbeiter unter ihnen in einer anderen, völlig gegensätzlichen, industriellen unterirdischen Welt arbeiten.

Alfred Hitchcock ist unbestritten einer der Meister dieser Beziehung zwischen Architektur, Beleuchtung und Film, mit Werken wie Das Fenster zum Hof (1954), das seine ganze Handlung auf das Fenster, ein architektonisches Element voller Symbolik, fokussiert.

In Psycho (1960) materialisiert der Regisseur die Ebenen der freudschen Psychoanalyse anhand der drei Stockwerke des Hauses Bates, mit sehr kontrastreicher Beleuchtung, wie in der ikonischen Duschszene, wo die Silhouette des Mörders im Gegenlicht dazu beiträgt, eine weniger direkte und in gewisser Weise „empathische“ Beziehung zum Zuschauer herzustellen.

1971 erschien einer der großen Kinohits von Stanley Kubrick, Uhrwerk Orange. Dieser Film basiert auf dem Roman A Clockwork Orange von Anthony Burgess und porträtiert anhand brutalistischer Gebäude wie dem House Skybreak von Sir Norman Foster, Wendy Cheesman und Sir Richard Rogers, dem Thamesmead Housing Estate oder der Brunel University London eine gewalttätige, entmenschlichte Gesellschaft.

Jahre später drehte Kubrick Shining (1980), inspiriert von Stephen Kings gleichnamigem Werk, das mit der Symbolik des Labyrinths spielt, um die Psychopathie seines Protagonisten zu spiegeln. In diesem Fall entschied sich der Regisseur für eine absolut realistische und erzählerische Beleuchtung, die im Laufe des Winters von einem warmen Licht zu einem zunehmend bläulichen Licht wechselt, das die Kälte draußen und die Isolation seiner Figuren widerspiegelt.

Der 1982 von Ridley Scott inszenierte Film Blade Runner ist ein weiteres Muss. Er zeigt eine dystopische, chaotische und dekadente Vision der Stadt Los Angeles im Jahr 2019, die zum Teil auf Philip K. Dicks Roman Träumen Androiden von elektrischen Schafen? (1968) basiert, in der Wolkenkratzer und Neonlichter mit überfüllten Vororten und Industrieschornsteinen koexistieren.

In Anlehnung an den deutschen Expressionismus wählte Scott eine harte Beleuchtung mit dunklen Schatten und Kontrasten, die eine düstere städtische Atmosphäre erzeugen und eine intime Beziehung zum Gemütszustand der Bewohner herstellen.

Wir können uns nicht vom 20. Jahrhundert verabschieden, ohne Gattaca zu erwähnen. Dieser 1997 von Andrew Niccol gedrehte Film präsentiert eine Biopunk-Vision der zukünftigen Gesellschaft durch eine minimalistische, geometrische Architektur ohne jeglichen Schnörkel, die die entmenschlichten Bewohner perfekt widerspiegelt.

Der Hauptsitz des Unternehmens ist das Marin County Civic Center von Frank Lloyd Wright, ein Projekt, das nach dem Tod seines Autors gebaut wurde und das Bild einer futuristischen Stadt, das sich der Architekt in seinen Zeichnungen ausgemalt hatte, materialisiert.

Die Temperatur des Lichts spielt eine sehr wichtige Rolle in diesem Film, in dem warme und gelbe Töne vorherrschen, die auf die Sonne, das Universum und den Traum des Protagonisten von einer Reise ins All verweisen. Dazwischen finden sich auch Blau- und Grüntöne oder Hell-Dunkel-Effekte, je nachdem, welche Emotion erweckt werden soll.

Die argentinische Tragikomödie El hombre de al lado von Mariano Cohn und Gastón Duprat aus dem Jahr 2009 erzählt vom Konflikt zweier Nachbarn und von zwei sehr unterschiedlichen Lebensstilen. Bei dieser fesselnden Handlung ist der wahre Protagonist das Haus Curutchet von Le Corbusier in La Plata, denn es spiegelt die Träume und Frustrationen seiner Bewohner treu wider, wobei das Licht als Absichtserklärung fungiert, indem es zwei gegensätzliche, durch dieselbe Wand getrennte Realitäten und Lebensstile nachstellt.

Diese Beziehung zwischen Architektur, Beleuchtung und Film hat durch Arkitekten (2023) beispielsweise auch die Serien erreicht. Diese norwegische Miniserie unter der Regie von Kerren Lumer-Klabbers ist eine satirische Darstellung des Immobilienmarkts durch die Geschichte ihrer Protagonistin: eine Architektin, die von den Wohnungspreisen erdrückt wird und beschließt, einen Parkplatz in ein riesiges Wohnprojekt aus 4m² Wohnungen zu verwandeln. Wie nicht anders zu erwarten, ist die Beleuchtung von der melancholischen und verzweifelten Stimmung durchdrungen, die die gesamte Handlung prägt.

Diese Filme sind nur einige Beispiele dafür, dass Disziplinen wie die Architektur und die Bildgestaltung durch Raum und Licht nicht nur der Inszenierung dienen, sondern auch zum Teil der Erzählung werden und den Zuschauer in bestimmte Gemütszustände und Gefühlslagen versetzen.